回顧工藝史，日本的民藝運動 (Mingei Movement) 從二十世紀初萌芽至今已跨越百年，該運動在快速工業化的社會背景下興起，宗旨在保護和推廣民間手藝，強調「手作之美」與「生活之美」，並且以充滿地方特色的質樸美學，呈現出自然、簡約的風格。透過民藝的理念，許多日本的家常用品，例如各種手工製作的陶器皿，也得以在保留實用性的同時，被重新認識為蘊含著美感與文化價值的藝術品。
到了1950-60年代間，「工作室陶藝」(Studio Pottery)在歐洲與美國崛起，推動了“非功能性陶藝”的思潮，使陶藝正式成為了一種當代藝術媒材，而不只是實用的器皿。這個蛻變打破了工藝與藝術之間的界線，讓陶藝家得以更自由地探索材料、形式與個人的創作語言。日本陶藝也如此地經過了半個世紀的發展，今日已傲然地邁入了雕塑的廣闊領域。
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| Yabe Shunichi Kakurezaki Ryuichi |
目前在舊金山的亞洲藝術博物館展出的"New Japanese Clay"展覽，正是日本當代陶藝以雕塑風貌展現的範例。在此，可以從29 位當代藝術家的作品中看到”傳統技藝與創新思維“交融的多樣風采。Yabe Shunichi與Kakurezaki Ryuichi 都是以日本古窯「備前燒」(Bizen ware)為根基來創作，運用“素燒、不施釉”的傳統，在自然窯變中讓灰燼、火痕構成作品獨特的肌理質感與色澤。Yabe以雕塑科班出身，運用著陶土來雕刻空間，於是作品具有建築感和幾何塊狀。Kakurezaki的作品則是從傳統器物出發、進化、解構變形，繼而推向雕塑。
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| Chieko Katsumata Tanoue Shinya |
Chieko Katsumata的作品以南瓜般豐盈的形體為載體，多瓣厚實的弧線完全用手塑和層層堆疊的工法建構而成。作品頂部保留開口如同器皿，霧面柔暗的色澤處理則讓造型顯得抽象、厚重，進一步地模糊了容器與雕塑的界線。Tanoue Shinya 以薄片陶手工摺疊與層疊技法，打造出如同布料般柔軟卻結構精密的雕塑形體；作品在光影與褶痕之間流露出飄渺的呼吸感，展現著優雅的韻味，巧妙地融匯了陶藝與雕塑的語彙。
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| Miyashita Zenji Mihara Ken |
Miyashita Zenji的作品運用薄如紙片的彩色泥層疊置技法(saidei)，建構出作品的形體與色層；那彎曲流動的彩泥線條彷彿遠方的山巒、飄動的雲層或海浪的起伏。在和諧的色彩與靜謐而內斂的陶土中，具象與抽象交錯呈現出了他的“心象風景”。Mihara Ken的作品則以傳統穴窯高溫長時燒成，不使用釉藥，讓多次窯燒天然落灰形成富有深度的暈染。以陶板折疊構成的造型，樸實沈穩如同古老地貌的抽象再現，似乎在寂靜中仍具有動能。
展覽中的每件作品都值得細細品賞，因為在探究的過程中，得以展開一段與陶土、時間與美學相會的體悟。
