優勝美地 - II

清晨在林間木屋內甦醒，打開落地窗即可呼吸到純淨清涼的空氣。到戶外散步時看到一棟棟的木屋散置林木之中，即可想像許多都市中的人們渴望親近大自然，享受短暫的美好。而後回到木屋陽台上喝咖啡吃早餐，四周寧靜滿眼綠意，此時無事一身輕，真是愜意。

這一天要到優勝美地village的主要的景點，開車走120公路往南約一個小時。在疫情期間進入國家公園必須上網事先申請。遊客雖然不如以往的多，但是車輛也不少。進入國家公園後發現道路有些改變為單行道，不如以前方便了。經過Tunnel View就看到久違的高聳巨岩山嶽，當然要隨時路邊停車以便下車觀賞，並瞻仰其神采。中午時段天氣乾熱，午餐後我們走到Yosemite Fall，看到"沒有水"的瀑布。原來這個瀑布是季節性的，春天雪融後才會出現，夏天到冬天都是乾的。而後我們轉往Mirror Lake，從停車區走過去來回約5英里，這段路靠山邊也有許多樹蔭，走起來毫無暑氣非常舒服。但是抵達後發現，記憶中會呈現著山岩、天光雲影與遊客倒影的美麗湖泊，如今卻一點水都沒有，看到的是乾涸的湖底，真是讓人大失所望。結論是晚春4-5月才是造訪優勝美地的好時節。加州的乾旱和野火改變了自然與地貌的景觀，這也是給人們的大警訊。

                                                 Yosemite Fall

優勝美地 - I

因為新冠疫情，快兩年沒有遠行旅遊。本來二姐Patricia與姐夫Jim要從賓州過來一起到South Lake Tahoe和優勝美地(Yosemite National Park)遊玩，因為South Lake Tahoe地區從9月初就有野火靠近，空氣品質也不好，於是他們取消了加州行。我們一家三人決定9月15-17日還是前往優勝美地三日遊。記得上次前往優勝美地是2012年4月，距今已經9年了。記憶中的優勝美地在春天寒氣稍退的氣息中，天空晴朗、空氣清新、流水涓涓、瀑布秀美、山岩壯麗.....，真是美不勝收。睽違已久，今日如何呢?

由聖荷西前往優勝美地走102公路必會經過Groveland，正好休息午餐也讓Tesla充電。這個小鎮誕生在十九世紀加州淘金熱潮中，目前的人口只有約600人，在二十世紀初曾一度繁榮，成為了舊金山與優勝美地間的中繼站。走在小鎮短短的主街道上，可以看到有百餘年歷史的小酒館"Iron Door Saloon"，以及連接著的幾棟建築上彩繪著優勝美地著名的瀑布以及早年的自然蠻荒的壯闊景像，似乎昭示著此地是進入國家公園的前哨站。午餐在"Two Guys Pizza Pies"享用了美味的pizza，再繼續前往住宿的旅館Evergreen Lodge。

Evergreen Lodge在優勝美地village北邊，佔地約22英畝，今年歡慶一百周年。重新裝修與加蓋的樸實木屋，寬敞舒適。木屋的房間裡沒有電視，但是有寬敞的陽台，讓旅客們在林木的環抱中，得以全心地去感受自然的野趣。雖然附近的景點只有Hetch Hetchy水庫，距離優勝美地village，開車過去還要一個小時，沒想到非假日的住客仍然很多，停車區全滿呢。

由於前往Hetch Hetchy水庫的道路，下午五點會關閉。當時已接近傍晚時間不多，我們只好開車到附近逛逛，看到旅館外圍的山林有些光禿的樹木或被燒過的痕跡，讓人深感遺憾。而後回到旅館餐廳晚餐，覺得餐點與服務的品質都很不錯，再喝了點好酒，就更心滿意足了。炎熱的夏末初秋到了晚上寒氣仍重，反而讓人神清氣爽。餐後走路回木屋休息，一家人在黑夜林木中的點點燈光指引下走著，也覺溫馨。

"teamLab: Continuity" at Asian Art Museum

在二十一世紀當代藝術中"數位科技"早已經成為了一項重要的表現形式/語彙。虛擬與真實、身體與空間、記憶與想像、移動與變遷、異域與他鄉等等，都是當代藝術創作者們所要探究的議題。那麼如何讓觀眾能夠更全面性的去感知和體會當代藝術的理念和旨趣呢？身臨其境般的"沈浸式"(immersive)藝術體驗，便成為了老少咸宜的展覽方式，例如不久前所觀賞的"Immersive Van Gogh"，即將著名藝術家的作品以數位科技的形式重新表述和再現。

最近舊金山的亞洲藝術博物館推出了來自日本東京的國際集體創作團隊"teamLab"的作品"Continuity"，則是以嶄新的內容與無邊際連續的形式，讓觀眾被包容在作品的情境之中，身臨其境地沈浸在各種如真似幻的數位影像之內。連續著的數個展覽空間加上鏡子的映照和樂音的流逸，讓璀璨豐美的花卉、漫天飛舞的蝴蝶、流動的海洋與魚群、空間中飛揚的書法線條等等，環抱著在其中移動著的觀眾，讓人們驚嘆又欣悅。

展場的影像在數位的演算下因為觀眾的進入、參與、互動觸摸而不斷地變化著，而且永遠不會相同。如同在大自然中改變乃恆常的現象。那隨觀眾觸碰幻變的花、蝶之森林讓人們迷失其中又再悟，飛越牆面邊界的書法線條擴展了空間的感知。讓人們如同置身於一個個美麗奇幻的夢境裡，也讓大人和小孩都捨不得醒來與離開。

在"Immersive Van Gogh"展中，觀眾只是安靜地觀賞三度空間中再現的作品風貌。在"teamLab: Continuity"展場裡，觀眾與藝術之間的距離已經模糊，觀眾與作品之間的關係已遭顛覆，觀眾已經成為了作品必然的一部分，觀眾個人與他人之間的關係也因此產生了巧妙的連結與連續。打破邊際、產生連結，正是"teamLab: Continuity"展覽希望提供給人們的思考點。

對"雨水"的想念

已經是盛暑了，天氣幾天舒爽接著幾天的酷熱。由於天乾物燥，北灣的山林野火一發就不可收拾，燒了很久還未能夠平息，連太浩湖南邊地區也有野火逐漸靠近。因為煙灰等的飄移，南灣地區近日來的空氣品質很差，天空灰濛濛的。這種狀況每年重覆著，真的是人力無法對抗極端的氣候變化。

加州缺水已成為常態，省水與節約能源也讓人們謹記在心。更讓我想到台灣夏天裡的雷陣雨，甚至颱風，如果能夠偶而來到加州該有多好。想念起在台灣的歲月裡，雨水在躁熱空氣裡漂洩的氛圍，想念起拿著雨傘頂著風雨奮力行走的滋味，還有褲子、鞋子、背包等濕透的狼狽感覺…。想念起那潮濕的巷弄街道的積水，車輛疾駛而過飛濺的水花，甚至被濺濕了衣裳時的驚駭與生氣。總之，想念與渴望"雨水"的味道呀！

常在網路上瀏覽與閱讀設計文化媒體"La Vie"的網站，它的數位內容以獨特視角觀看設計與文化的各種面向，蒐羅全球最新設計與創意，綜觀生活文化新趨勢，掌握美學潮流的脈動，提供了具有質感的豐富內容，讓讀者不必行萬里路即可免費觀賞與探索世界各國生活美學的多彩風貌。最近看到了一則"Water Shadow Curtain"的窗簾設計提案，是東京團隊tokeru的創意發想，讓人們在居家避疫的單調生活中，也能感受到猶如置身海底世界的如夢似幻的感覺。這個"水"的意象應該更為加州人所珍視，家中如果能夠安裝這種窗簾，必然暑氣盡消。

於是又想到金·凱利所唱的歌曲"Singing in the Rain"，能夠在雨中歌唱多開心，因為雖然烏雲在天上，但是太陽在心中，內心就充滿了歡樂與愛。

American Tapestry Biennial 13

織錦畫(Tapestry)是用彩色的紗線編織出有花紋圖案的織品。在中國最早可見於唐朝的緙絲品，其特色是以蠶絲為材料，用「通經斷緯」的技法來織造，不同色彩的緯線並不相連，仔細看可見點點縫隙，有如以刀鏤刻而成。緙絲品織造出的各式繪畫或書法圖像，風格細膩精巧柔美，兩面都可以觀賞。在歐洲則有高布林(Gobelins)織錦畫，最早盛行於中世紀，材料以羊毛、亞麻或棉為主，技法是以各色緯線「斷接交織」出繁雜的圖像，經線則隱而不見。歐洲的織錦畫尺幅通常都很巨大，直立懸掛在牆面上，只有正面作為觀賞。緙絲或高布林織錦畫在織作上都是耗時費力，因此必須有皇室貴族委託製作或贊助才得以進行；通常是由織工複製畫家的圖稿來完成，編織者是不為人所知的。

Kathe Todd-Hooker, USA, "Nasty Ladies Unite! Do it before it’s too late

自1950年代以來編織者與藝術家已然合而為一，織品藝術(Textile Art)或纖維藝術(Fiber Art)開始綻露頭銜，宣告新舊素材與新舊技法都可以在創作者的嶄新的理念或構思下融匯結合，拓展出織品在"純藝術"表現上的語彙和形式。於此，編織家就是原創的藝術家。

Martha Christian, USA, "Flood Zone"

當代的織錦畫正是織品藝術承繼傳統再創發的一種表現形式，目前在聖荷西拼布與織品博物館展出的「美國織錦雙年展」即最佳見證。37件展品乃從十個國家的189件作品中精選出來，每件作品的主題、風格與形式各具特色，寫實、抽象、記憶、夢境、海洋、對自然或環境的反思、線條與造型等等，呈現出了纖維素材在藝術家手中織就出的深厚情感向度。

Mette Hansen, Denmark, "Yellow Mask"

Marni Martin, Canada, "Repository of Memory"

Mural by Diego Rivera at SFMOMA

著名的墨西哥壁畫家Diego Rivera(1886-1957)與舊金山以及舊金山現代美術館(SFMOMA)很有緣份，二十世紀初曾應邀數次來到此地創作。舊金山現代美術館也早在1935年便收藏了第一件Diego的繪畫"The Flower Carrier"，目前陳列在二樓的常設展區，至今共收藏了這位藝術家76件繪畫、素描等作品。

"Pan American Unity"

1940年Diego應邀參加金門國際博覽會(Golden Gate International Exposition)，在助理協助下現場創作壁畫，費時六個月才完成作品"Pan American Unity"。這件畫在鋼架水泥面上的壁畫上下各五幅，併組構成了高度22英尺寬度74英尺的巨作。以舊金山灣為背景細緻地描繪出了北美洲和南美洲(涵蓋了印地安原住民、墨西哥人、愛斯基摩人)的過去、現在與未來，以及藝術家、工匠、建築師和發明家們運用藝術和技術來形塑社會。豐富的色彩除了展現出傳統藝術的美好之外，也頌揚機械與科技的發明為社會帶來的進步和改變，當然還有戰爭帶來的破壞。

"Pan American Unity"

這件壁畫在金門國際博覽會後，為City College of San Francisco所收藏。此時搬運到舊金山現代美術館展出前，可是花了國際團隊數年的時間研究，才能夠大費周章地分批搬運過來，展陳在美術館側邊一樓大廳，從6月28日至2023年夏天開放免費觀賞。

光與色彩的雕塑

歐普藝術(Optical Art)出現在1960年代，畫面以抽象的幾何構圖、色彩和光影的安排，在平靜的幾何圖形的規律變化中，創造出視覺上移動的幻覺或錯覺，產生出截然不同於傳統繪畫的表現，無主題無形像，卻又帶給觀者動人的藝術體驗，讓觀者在不同角度觀看時也會有不同的視像體會，它喚起了人們敏銳的視覺神經的豐富想像力。

這種藝術理念到了二十一世紀的當代，已經由繪畫的二度平面走入了三度空間的體驗。例如：冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson (1967-)目前在舊金山現代美術館展出的裝置作品"One-way Colour Tunnel"，以三角形彩色壓克力玻璃鏡面建構出的拱形走道，延展歐普藝術的幾何面相和色彩語言，讓觀者在走入作品之中還要不斷行進移動，才能看到高低規律間錯的壓克力塊面上，色澤在光的照映下產生的美妙變化。由於人數的限制，每位參觀者只有約35秒的時間來回走過。這件作品的姿彩展放必須在觀者經由時間與空間來和作品互動體驗才得以完成，而這也往往是當代藝術作品的旨趣。