David Hockney - A Bigger Exhibition

著名藝術家David Hockney (1937-)被稱為20世紀最具影響力的英國藝術家之一，他與加州的特殊因緣關係，讓他往來居住加州有30年之久，在此期間(60 和70 年代)他畫了許多展現加州亮麗陽光與色彩的繪畫，例如：以大片的平坦而寧靜的藍色與綠色為主的「游泳池系列」與棕櫚樹，在不同的博物館都會看見，讓人印象深刻。上週日(10月27日)在舊金山de Young Museum盛大推出的David Hockney特展，非常難得地展出了這位76歲藝術家從1999年至今的作品，涵蓋了風景畫、人物肖像、靜物畫等等，共約400幅，而且有80幅繪於2013年。這位藝術家的確是不同凡響，創作力非常豐盛。

在21世紀的藝壇，多媒體與綜合媒材盛行的今日，很多人認為繪畫或風景畫已經過時甚至死亡。但是Hockney說「繪畫在人類的歷史裡至今也有三萬年了，我們為什麼會放棄呢？」他更持續不斷地探索大自然，從2005年開始，他對自然景物在時間中的流變極為感興趣，於是運用了各種媒材與媒介：水彩、油彩、iPad、Phone、錄影，以及近期大量使用炭筆畫，在戶外工作以補捉自然景像的各種神采與四季不同的神韻。這系列風景畫描繪著英國East Yorkshire鄉間景物，同一個景點在一系列的作品上，盡情地描繪出了不同時間與氣候狀態中的意象與變化。Hockney的繪畫有著獨到的色彩、線條與空間的表現，精湛的技巧已無庸贅言，繪畫中表述出的大自然之超卓境界，才更引人入勝。這些風景畫尺幅都很大，最大的由32幅畫面組構而成一件作品，那種氣勢更是浩然而磅礡。藉此，藝術家讓我們真正地看到平常不會留意的大自然尋常景物之美妙遞變，並且深深感動。

Hockney從1968年就開始畫肖像畫，畫他的親朋好友們，這次的展覽中當然也含括了許多的人物肖像，有水彩、油畫和炭筆畫，可以感知這位藝術家纖細的觀察力和絕佳的繪畫技巧，精妙地補捉住了各個人物的氣質與神態。另外有兩間展覽室特別規劃作錄像的播放，四面牆上是由數個螢幕併組成的巨大電視牆，播出著Hockney錄製的自然景觀，讓觀者也如同親臨現場般地看到畫家所看到的景象，得以再思考畫家如何將這些景象轉移到畫布上。

科技新知真的一點都難不倒這位高齡藝術家，Hockney從2009年開始使用Brushes 應用程式在iPhone和iPad 上繪畫，還可以即時地e-mail給朋友們分享。2010年開始在iPad上創作，畫出了"The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire"系列以及Yosemite National Park系列等等。展場除了展出數位印出的大幅作品，牆面上還有許多螢幕呈現出不同數位繪畫創作的每一步驟，讓觀者能夠如實地了解藝術家在創作時的整個過程，非常難得，這也是因為在iPad上留下了數位的行跡。在此看到了才華洋溢的藝術家是不會受到任何侷限的，iPad的繪畫創作竟然就如同傳統繪畫般的真實與美妙。

藝術家不僅在窗框般的畫面上為我們打開了世界，也引導我們重新認真地觀看世界，重新思索與了解我們所存在的世界。

「琴鍾台灣」音樂會

「琴話寶島」系列音樂會第二季，「琴鍾台灣」於週六 (10/26)下午2-4點， 在位於Santa Clara 的英特爾(Intel) 禮堂舉行。在偶然的機會得知這場音樂會將演出的曲目都是台灣寶島的音樂，而且免費索票，便立即上網登記。

生活中的小意外是昨天晚上去教中文課，下課回家時發現車子沒電發不動了。早知道已經使用五年的車子電瓶壽命將盡，只是還拖著，現在終於停擺了。Daddy過來也沒法度，Sabrina與Walter住在學校附近，趕緊過來救急，帶了電線來幫忙jump我的車子，仍然沒用。只好讓車子留在學校過夜。今天上午教完另一班中文課後，與Daddy到Toyota去買了新電瓶，再到學校去幫我的車子換電瓶，沒想到還蠻簡單的嘛，便順利地將車子開回家，等Daddy將舊電瓶送回Toyota店回收再回到家，已經兩點。去聽音樂會已經遲了，但是反正下午沒別的事情，便還是與Daddy開車過去。很高興去聆聽了這場音樂會，很值得的。

「琴鍾台灣」演出了許多首蕭泰然編的曲目，如：黃昏的故鄉、燒肉粽、家園的回憶、台灣頌、出外人、夢幻的恒春小調等等。還有石青如編曲的：淡水暮色、望你早歸、天黑黑等。上半場有小提琴三重、四重、五重奏，由陳任遠(Ryan Chen)主奏，非常精彩。下半場則由小提琴家林品任(Richard Lin)獨奏與Sandra Shen鋼琴獨奏。這兩位年輕專業的音樂家都非常優秀，他們的音樂演出不僅技巧精湛而且充滿了感情，深深引動人心。台灣音樂家、作曲家、指揮家蕭泰然先生已經75歲高齡，特地從台灣來到此參加這場音樂會。蕭先生一生致力於將台灣本土音樂融入西方音樂的創作，被譽為「台灣拉赫曼尼諾夫－最後的浪漫主義鋼琴詩人」。

音樂會最後結束曲是台上演出以及台下合唱台語歌曲；望春風，由蕭先生指揮，很感人，主辦單位ARTCH Foundation & Intel Corp確實是用心規劃，讓在灣區的我們得以隨音樂重溫家鄉的風土民情，回味年少時熟悉的文化采風和音樂神韻。

Google Campus

加州舊金山灣區的"矽谷"(Silicon Valley)是美國高科技企業(如：Apple, Google, Facebook等)創立的總部所在地，因而具有國際知名度與能見度。許多人來到灣區也不能免俗地要去參觀一下這些公司的總部。而我們定居灣區五年，我也數度經過，卻還沒有到它們的campus好好走走看看。於是週日下午，與Daddy一同到Google的總部遊走一番。

Google是我每天進入網際網路必先報到的首站，Google標幟的基本四原色--藍色、紅色、黃色與綠色，簡潔醒目，而不定時出現的Google Doodle則樣式多變，充滿了無限的創意和趣味。讓人感受到Google除了是科技界的巨擘，還熱愛、支持與鼓勵藝術創作。Google Doodle也喻示著Google是不停地在前進、不停地在開展創思，因為它保有年輕的朝氣和童稚般的原真與創造力。

Google 的campus佔地龐大，為了讓員工在數棟現代化建築之中，能夠方便來往，公司提供了很多免費單車，漆著藍色、紅色、黃色與綠色的單車，因而成為了總部的一景，許多遊客們也要與單車拍照呢。大樓與大樓之間的廣場上還有著舒適的木製躺椅，同樣地漆著四原色，是戶外休憩或小聚的好場所。Campus造景則以熱帶和沙漠植物為主，如高大的椰子樹、各式仙人掌等等，間錯著許多雕塑品。Google免費的員工餐廳也是一大特色，記得曾經由一位在Google工作的朋友帶入用餐，寬敞的餐廳裡各國美食應有盡有，隨人所好盡情享用。Google員工來自世界各地的菁英們，必然可以感受到如同在家的親切。

在#44建築大樓前面草地上豎立著許多可愛的大型雕塑，仔細瞧瞧才發現是歷代Android作業系統標幟的雕塑。Android作業系統從2008年推出第一代，以至今年9月的第十一代的Kit Kat bar，都是在新作業系統推出前幾天就在草坪上展現出代表標幟的雕塑。這些造型生活化也充滿了童趣的雕塑，包括了：cupcake, ice cream sandwich, donuts, robot with jelly bean, honeycomb, etc. 而#44建築大樓正是Android作業系統發展部門的辦公大樓。

Google為我們在無邊際的網路世界遨遊時，增加了許多想不到的意趣，更帶給我們生活與工作上極大的便利，例如：google doc, google site, google drive, google map, youtube等等。我真無法想像現代人沒有Google的日子怎麼過呢。

Frank Stella

舊金山現代美術館(SFMOMA)在六月份開始休館重建，預計在2016年完成嶄新擴建的美術館。於是在這段休館期間，規劃了館藏品展覽到灣區各文化單位展出。目前在史丹佛大學的坎特藝術中心(Cantor Art Center)舉辦的"Wood, Metal, Paint: Sculpture from the Fisher Collection"，即其中一項精彩的展覽，展期至10月20日。展品包括了：John Chamberlain, Sol LeWitt, Claes Oldenburg, Frank Stella, Martin Puryear等人創作於1960-90年間的代表作。

Frank Stella (1936-)崛起於1950年代抽象表現主義的浪潮中，在當時年僅二十多歲的他，卻認為"繪畫只是具有油彩的平坦畫面，nothing more"，因而與當時注重精神性和情感表達的抽象表現主義藝術理念背道而馳。他的畫面強調著繪畫只是"物件"，而不是這個世界或藝術家情感與思緒的"再現"或載體。因此，他在25歲左右即以全黑色加細白線條的冷寞低限主義繪畫，特立突出獲得藝壇矚目。Stella說："What you see is what you see."繪畫可以是如此單純。1960年代以後Stella開始運用大量色彩，畫出純粹直線或曲線的平坦繪畫，畫框造型則進一步突破了傳統的矩形框限，順著畫面線條而變動，發展出了「塑型畫布」(shaped canvas)的觀念，呈現出了創作上另一寬廣的向度。

1970-80年代Stella創作了許多版畫、浮雕與立體雕塑。他不斷探索的實驗精神，讓他的創作不但尺幅加大、更具觸感與力能。金屬浮雕上的彩繪創作則是越來越複雜，色彩、圖案、造型、動勢繁複地建構著，展現出介於平面和立體之間曖昧的張力，藉由視覺幻像暗示出立體浮雕的實質感。Stell藉此拆解傳統繪畫在平面畫布上創造的虛幻立體感，並且再推出一步，讓繪畫真正地進入了三度空間。作品"Nightgown"(1990)即這個理念的詮釋；繽紛的色彩隨著起伏的畫面波動著，如同從牆面上掙脫而出的彩衫飛揚著。在此"虛幻"似乎是平面的圖案、線條與色彩的境界。Stella晚期的作品讓繪畫與雕塑的界線模糊了，他自謂這類作品是"Maximalist"。

Frank Stella的藝術創作從低限主義的空無開始，到極限主義的狂飆，不羈的天才總是那個時代不同階段的先鋒，也影響與啟發了而後的色域繪畫(color field)到後繪畫性抽象(post-painterly abstraction)的許多藝術家。

The Great Gatsby

這個週日紫藤書友會在書友典樂家聚會，討論美國著名作家史考特‧費茲傑羅(F. Scott Key Fitzgerald, 1896-1940)出版於1925年的小說"The Great Gatsby"(大亨小傳)。這本小說被讚譽為二十世紀美國文學史上最偉大的小說，被視為美國文學"爵士年代"的象徵，也是現在美國高中生文學課中指定的讀本。會選擇討論這本小說，當然是因為最近上映了由導演巴茲‧魯曼(Baz Luhrmann)重拍，李奧納多‧狄卡皮歐(Leonardo Dicaprio)主演的「大亨小傳」電影所帶來的熱潮。很多書友都是在年輕時看過這本小說，今日再重讀或再看電影重溫往年的記憶，卻也發現不同年紀的感悟與解讀會有所不同。

1920年代的美國是一個經濟、藝術文化都快速發展的年代，也是紙醉金迷、夜夜笙歌，社會人心急速墮落的年代，尤其是在紐約的拜金社會。本書主角傑·蓋茨比從一個名不見經傳的窮小子轉變為顯赫富商，就為了一生的摯愛黛西。然而書友們都認為這本書中根本沒有真正的愛情存在，有的只是浪漫情懷，一種追求所謂"美國夢"的情懷。而且這個夢是虛幻的，因為功成名就並不代表圓滿與幸福，社會階層的隔閡是一個無法跨越的鴻溝。因此蓋茨比的內心必然是孤獨、落寞與痛苦的，因為浮華的世界就如同鏡花水月般虛無，轉眼成空。

書友們也認為黛西只是個虛華拜金享樂的女子，是一位不懂愛情、沒有思想、淺薄無能的資產階級，是那個年代裡物質慾望的表徵。相對而言，蓋茨比則是無可救藥的痴情漢，就如同本書最重要的陳述者尼克所言：「在蓋茲比身上有一種異乎尋常的樂觀，一種羅曼蒂克的希望，是我在別人身上從未發現，以後也不會再發現的。」對夢想的"渴望"(desire)，應該是成就"Great" Gatsby的動力，儘管蓋茨比與黛西和上流社會結合的夢想本質上是虛華不實的，因為愛情本來也就是盲目的。

"渴望"讓蓋茨比與黛西的丈夫湯姆都追求著不同於自己既有範疇內的事物，不論是向上或向下層次的追求，而這就是人性吧。旁觀者尼克是書中唯一具有情操而且洞察人心世事的人，作者費茲傑羅藉由尼克的引述讓我們看到『幻象的消滅』後，真正的是非與社會價值何在。這個浮誇風華墮落的1920年代成為了二十世紀初所謂的"失落的年代" ，The Great Gatsby正是檢視當時社會、人心與思維的經典著作。

馬諦斯 - 爵士系列

位於史丹佛大學校園內的坎特藝術中心(Cantor Art Center)，在暑假期間展出著一項小型(20件作品)的展覽"Matisse Jazz"，展品是著名野獸派藝術家馬諦斯(Henry Matisse, 1869-1954)在晚年不良於行，仍持續創作出的獨特剪貼作品所構成的Artist's Book。

爵士系列共有100幅的紙上作品，創作於1943-45年間，當時的馬諦斯已經74 - 76歲高齡，又罹患癌症，無法如往昔般地恣意繪畫，於是他拿起剪刀與色紙，仍然創意無盡地剪出了各種圖像，再拼貼組構出充滿了奇情巧思，又色彩豔麗、簡單流暢的畫面。主題有歡悅的馬戲團景、劇場景、舞動的人體、有機圖像、各式葉型、飄動的水草等等。這些璀璨豐美、介於具象和抽象之間的畫面，一幅幅就如同即興演奏出的爵士樂章，已然成為馬諦斯另類的經典圖像，讓世人吟詠與讚嘆。

這系列作品充滿了想像力、流露著童稚的純真、無憂無慮、歡樂愉悅。欣賞這些作品讓人覺得世界也變得更加美好和快樂。然而想到馬諦斯在創作這些作品時，卻仍然在與癌症搏鬥。藝術家的心胸與那追尋美好的情懷，已然超越了軀體的侷限和苦痛，也因此作品的精神與美學層次已經超越了世俗，而得以傳世不朽。

記錄攝影家 - Dorothea Lange

週日去了一趟Sacramento，在市政府大樓裡看到了一項展覽"The Dust Bowl, California, and the Politics of Hard Times”，展出了著名記錄/報導攝影家Dorothea Lange在1930年代間所拍攝的照片，還有著名鄉村歌手Woody Guthrie的歌詞與歌曲，以及著名作家John Steinbeck描述那個年代的經典小說片段。1930年代是美國經濟大蕭條的艱困時代，1934年美國中南部地區更由於乾旱，以及過去數年疏於環保意識，造成環境耗竭，暴風吹起了塵土，竟然使得奧克拉荷馬州、阿肯薩斯州、堪薩斯州、德州等地，莊稼盡毀。這種沙塵暴持續了數年，稱為"Dust Bowl"，當時農民只好離鄉背井遷徙西部，此時遷移到加州的人數，甚至多過於1849年的淘金熱時期。這種沙塵暴應該近似於中國大陸這些年來的沙塵暴，都是環境過度開發、水土保持不力的後果。人類總是要經歷過刻骨銘心的教訓後才能徹底醒悟，然而能夠及時地改善與自然相處之道，便是人類永續存在的應變能力了。

Dorothea Lange(1895-1965)是一位令人景仰的女性攝影家，幼年時得了小兒麻痺症，讓她右腳不良於行，然而她卻因此更具有人道的關懷。在1930年代大蕭條時期，她從攝影棚走入街巷人群，以敏銳的洞察力探視社會的底層，用照相機探究失業者和無家可歸的人，昭告世人社會的真相，獲得了廣泛的矚目。Dorothea也因此獲得了聯邦政府委託，在1935-1939年間用照相機紀錄鄉下農民和勞工的處境，為那段歷史保留下了珍貴的圖像紀實，同時她的丈夫經濟學家Paul Schuster Taylor則負責訪談和經濟相關資料的收集。Dorothea最廣為人知的圖像是"Migrant Mother"(1936)，肅穆的黑白照片，捕捉著一位住在帳篷生活困苦無奈的母親，年僅32歲已經皺紋深刻，眼睛望向無以寄託的未來，孩子們疲倦地依偎在身邊，靜寂寞然無聲，生命至此還能如何。

精采攝影的力量帶給圖像深刻而感人的故事性，往往會超越文字的敘述性，而畫面上細緻的線條、紋理、層次、光影和空間的完美建構，讓美學意涵與社會議題也交織融匯，必然成為不朽的作品。