"Chagall: Fantasies for the Stage" at LACMA

出生於俄國的法籍猶太裔藝術家夏卡爾 (Marc Chagall, 1887-1985)，作品以充滿了愛、夢幻、純稚的童趣，以及樸拙的農村田園意象，讓世人印象深刻。這種種乃肇因於他卑微貧窮的出生，還有年少時在俄國鄉間的猶太人生活的體驗，點點滴滴都深深烙印在他那具有豐富想像力的心中。此外他與第一任妻子Bella的浪漫愛情與婚姻，更成為了他的繪畫中可貴的題材，也成就出了許多不朽的傑作。原來Bella是富商的女兒，當年夏卡爾則是個窮小子，他們真的是歷經萬難才結為連理。而Bella也成為了夏卡爾一生的繆斯女神。

1910年夏卡爾遷居巴黎，正好融入當時盛起的現代主義藝術風潮。雖然沈浸於野獸派、立體派、超現實主義、象徵主義等潮流之中，但是夏卡爾並不願意被歸類其中。他的作品有野獸派的狂野色彩，有立體派的切割畫面或疊置空間，有超現實的情境構成，卻發展出了極為個人性、充滿詩意、非邏輯性、奇幻的具象風格。畫面也總流露出他身為猶太人的意識與文化意象。

Green Violinist (1923-24)背景源自夏卡爾記憶中的家鄉-俄國鄉間，屋上提琴手則是猶太文化中的典型表徵。提琴手放大了的圖像佔據著整個畫面，在強烈的綠色、紅色與紫色對照中，提琴手的衣褲又映現出建築與空間層次，似乎意喻著傳統與現代的交會。遠方圓弧的雲層、飛翔的人物、童話故事般的房舍背景，緊貼在提琴手身後與腳下，讓扁平的畫面顯得超現實又夢幻。在猶太人文化中，提琴與音樂是人們與神溝通的管道。於是這個提琴手就如同鄉村社區平民們心中的巨大支柱。

目前在洛杉磯郡立美術館(LACMA)展出的"Chagall: Fantasies for the Stage"，便著重於音樂與舞蹈在夏卡爾的藝術創作中所佔據的份量。除了展出數件有關音樂家和劇場的繪畫外，主要在呈現夏卡爾為四齣戲劇表演(例如：The Magic Flute, The Firebird)所繪製的場景和服裝，涵蓋了約一百幅彩色素描稿、四十一件舞台服裝，以及一百四十五個物件。在此可以看到夏卡爾奇幻的繪畫風格與戲劇的神話故事形成了璀璨而美妙的結合。

抒情、感性的猶太民俗文化的美學意韻，與夢幻般的田園意境，讓夏卡爾那充滿愛與美的藝術世界成為了永恆的夢。

KLIMT & RODIN: An Artistic Encounter

今年正值法國雕塑家羅丹(Auguste Rodin, 1840-1917)與奧地利畫家克林姆 (Gustav Klimt, 1862-1918)逝世百年，於是舊金山的Legion of Honor博物館特別規劃了這兩位藝術家的聯展，對照他們的創作為二十世紀初的藝壇所注入的新意。這是克林姆的作品在美國西岸的首次主要展覽，共展出了30件的作品。羅丹的雕塑在灣區的幾個博物館都有收藏，所以這次就對克林姆的作品比較感興趣。

Adele Bloch-Bauer I, 1903

克林姆是「維也納分離派」(The Vienna Secession)的創始人之一。在十九世紀末二十世紀初，「維也納分離派」藝術家脫離僵化了的維也納"學院派"藝術，傾心歐洲的新藝術運動(Art Nouveau)的理念，致力開創出個人風格顯著的作品，克林姆即其中代表。克林姆最為人矚目的繪畫，應該是屬於"黃金時期"的作品，例如："Adele Bloch-Bauer I" (1903-07)或"The Kiss" (1907)，(並沒有在這次展覽中出現)。這系列作品以金箔設色，畫中的人物融入了瑰麗華彩的抽象圖案之中，畫面顯得既古典又現代。於是3度空間與2度空間也巧妙地融匯，流露著穿越古今時空的神秘氣息，也引人無限遐想。"Adele Bloch-Bauer I"又被稱為"The Lady in Gold"，已經成為二十世紀初新藝術運動中不朽的肖像畫。

The Virgins, 1913

這次展覽畫冊的封面作品，"The Virgins" (1913)是克林姆晚期的重要創作。畫面上凝聚璀璨的花卉圖案，環抱交纏著的六個女性軀體，如同混沌天地頓開，美妙生命綻放的花顏。柔軟圓渾的線條與造型，充滿了女性的情與愛。畫面的豐美滿溢象徵著"孕育"的生息。作夢般的六個女人則如同象徵著女性生命中的不同情境。克林姆的作品經常讓人有情色的遐想，但是這件畫作有濃濃的"情"卻無"色情"。

華麗而裝飾性的抽象圖案是克林姆傳達"象徵性"訊息的途徑。他風格顯著的創作乃具象與抽象、繪畫與裝飾藝術的美妙結合。

Louise Nevelson at San Jose Museum of Art

在漫長的藝術史中，女性藝術家是相對的少數。於是在眾多偉大藝術創作者中，我總會對女性創作者多加留意。二十世紀女性藝術家中最讓我景仰的除了Georgia O'keeffe (1887-1986)外， 就是Louise Nevelson (1899-1988)。這兩位女性藝術家的年代幾乎重疊，同樣地高壽。她們所處的社會背景條件近似，都必須在當時代保守而且是男性主導的社會環境下，堅定自己的信念與創作的慾望，繼而建立起個人風格，最終在藝術史上留名。

出生於烏克蘭的Nevelson，1905年隨著猶太裔父母移民美國。由於家族從事木材生意，Nevelson從小就喜愛把玩木料，更本能地熱愛藝術。在結婚生子後，曾在紐約的Art Students League學習藝術，卻不受家庭的支持。於是在33歲毅然離婚，赴德國追隨藝術家Hans Hofmann研習現代藝術，至納粹關閉了該學校。而後Nevelson跟隨Hofmann回到紐約，再度進入Art Students League，與多位抽象表現主義藝術家為同儕，也繼續開創她的藝術之路。

Sky Cathedral, 1957

以雕塑創作建立風格的Nevelson，在42歲時的首次個展開始受到矚目，但是在男性主導的藝壇，卻也被刻意地忽視。Nevelson總是安然地自處主流之外，潛心地創作。她個人風格獨樹的牆面雕塑作品，在60歲左右才出現。如"Sky Cathedral"乃拾取生活中廢棄了的各種木質物件的碎片，重新結合組構成如同紀念碑般的巨幅雕塑，單一的黑色統合了繁多的個別片斷在造型與意象上的差異，也營造出了神秘的氛圍。如同"影子建築"的雕塑，牽引著人對斷簡殘骸的記憶，在隱約指涉著各種城市或自然意象中，提呈出一種謎樣的"世界景觀"，也開啟了人們心靈與之對話的抽象空間。這就是美妙的抽象表現主義的雕塑。

Louise Nevelson那格局龐然的環境般雕塑，充滿戲劇性又優雅的抽象建構，打破了只有男性藝術家才會創作巨幅雕塑的思維，為1970年代女性藝術運動奠立了基石，她的作品也成為了現代雕塑史上的典範之一。

Euromaxx - Lifestyle Europe

每週都期待著週二晚上7點半至8點，只有半個小時的"Euromaxx"電視節目。這個由位於德國柏林的DW電視台所製作的電視雜誌節目"Euromaxx"，是歐洲第一個專門製作與播出關於"生活時尚與文化"的高品質電視節目。

節目都由優雅時尚的男女主持人帶領著觀眾探視歐洲各個創意領域中的人、事、物；從服裝、美食、音樂、設計、建築、藝術、攝影、影音裝置，到城市風光、旅遊、生活風格、古董車、特殊技藝、特色慶典等等。甚至獨特的滑板或單車技藝、手工啤酒製作、森林中椅子樹的養殖、石頭地景藝術的建構、流動的貨車藝術、大規模的城市投影藝術、用肥皂箱所製作的仿古車、街頭藝術、用樂高完成的建築物等等。

每次的節目除了賞心悅目外，總是讓人大開眼界，讚嘆著各類創意巧思、新發明等所具現的豐美文化面象。也讓我們看到，這些創意人懷抱的特殊意念或夢想，都是在他們超越常人的固執的心力和無比的熱情下所完成的。這也就是不凡的passion & vision。拜網路科技之賜，我們才得以不出門仍然能夠欣賞到世界各地的美好。

Curiouser - Nina Katchadourian

在二十一世紀的今日，藝術創作除了媒材、形式、主題多樣化外，有些創作者也走出了工作室，在生活中的任何空間環境裡都在創作。亞美尼亞裔美國藝術家Nina Katchadourian (1968-)便是如此的創作者，隨機隨時隨地隨手運用周遭既有的物品就可以創作。她作品的基調是觀念藝術，主題總是探究著定位(mapping)、轉譯和公共空間之議題。幽默、慧黠的作品成形於攝影、雕塑、錄像、聲音裝置等等。於是世俗現象的點滴，在她的巧思凝塑下，提呈出了嶄新的視野與觀點。

由於經常搭飛機長途飛行，在漫長的飛機旅程中，Nina總是會充滿了好奇心地玩味著身邊有限的物品。於是從2010年開始至今日約200趟的飛機旅程中，她用手機拍照紀錄自己的隨機創作，共有約2500張照片和錄像。這些攝影作品涵蓋：在機上旅遊雜誌的風景或花鳥照片上，加入堅果、糖果或吸管等，來創造的新形象或有趣的畫面、將毛衣捏塑出大猩猩的各種表情、飛機上人們的睡相、飛機窗外景、從安全帶環扣表面映照出來的物像等等。還有一系列"Lavatory Self-Portraits in the Flemish Style"的照片，都非常有創意。原來Nina在機上洗手間裡，拿起了一些衛生紙放在頭上，覺得有趣便開始玩起造型來，結果用手機拍下的形像，竟然宛如十五世紀的佛蘭德肖像畫。於是她利用人們睡覺的時間，就在廁所裡創作，拍攝了一系列的自我肖像，讓古今意念對照，然而旨趣卻截然不同，令人莞爾。

另外，開始於1993年的"Sorted Book Project"，則持續至今在不同地方的私人或公共圖書收藏中完成。這系列攝影紀錄下的作品是從各個圖書收藏中，選取某一主題相關的書籍，再將這些書疊置在一起，讓書名連續出某種訊息，也代表著該圖書收藏的重點、特質或者差異。這一批批書名接續出的訊息，甚至可以成為該圖書收藏者的表徵。閱讀這些訊息，更讓人發覺文字的多重魅力。

在此可以見證藝術家的好奇心是無遠弗屆，創作力是無邊無際。這位藝術家為我們打開了另一個視窗，讓我們看到身旁世俗平凡無奇的生活中，仍然充滿了無窮的變化，與無限的可能性。"Curiouser - Nina Katchadourian"展覽目前正在史丹佛大學的坎特藝術中心展出。

「在世界地圖上找到自己」-- 2017 嚴長壽先生舊金山演講

台灣公益平台文化基金會嚴長壽董事長第三度來到舊金山灣區演講，此次講題：「在世界地圖上找到自己」。我們辦公室因為主辦這項難得的社區活動，忙碌了七、八個月。在Santa Clara Convention Center舉辦的這場演講，在七十餘位義工們的協助下於9月9日圓滿地完成，一千五百個座位座無虛席，聽者莫不深受感召。嚴先生演講摘要和錄影可參照公益平台facebook。

在近距離和嚴先生接觸以及聆聽他的演講中，讓我深深體會到嚴先生是一位充滿大愛、智慧、有遠見、熱情又謙虛的文化志士。台灣何其有幸有這麼一位因為關愛台灣、關懷下一代的教育和未來，挺身而出、親力而為、更奔走疾呼的人。嚴先生希望在連結各方力量來進行台灣教育改革的大工程中，也喚醒大眾一起反省和深思個人的定位與競爭力，以及思考台灣在世界舞台上的定位和方向。嚴先生指出教育的變革和人心的提升，是百年的大事，是對下一代未來的凝塑。他特別期許年輕人除了要有學術和技術外，還要具備"藝術"的涵養；而成功之道在於找到自己的特色，成為"唯一"和"獨一"，此外要有視野(vision)、使命感(mission)，以及無比的熱情(passion)，鍥而不捨地向前邁進。在今日科技當道，如何不被機器人取代，也成為了年輕一代必須面對的重要的課題。

這麼多年來，嚴先生可以說是苦口婆心地傳遞信念，在看似不可為而為中，無可救藥地埋頭前進。「公益平台基金會」致力改善台灣花東地區教育和提升當地產業等等的努力，累積出來的成果則是有目共睹，令人深深感佩!

Edvard Munch at SFMOMA

挪威表現主義畫家愛德華·孟克(Edvard Munch, 1863–1944)在30歲即以作品《吶喊》(1893)為世人所矚目。這位畫家為什麼會畫出那幅焦慮恐懼、末世般意境的繪畫呢？細究之下可以了解，家庭環境對個人身心的養成和人格的凝塑，影響真的非常巨大。

原來孟克的家庭充滿了悲劇和困頓，父母親早逝、姊弟相繼過世，接踵而至的悲痛深深打擊著他的精神和情緒。他自己又體弱多病，於是病魔和死亡的陰影也就烙印在他年輕敏感的心靈，並且持續一生。他的繪畫自然無可避免地晦澀、幽暗，充滿焦慮而且盡顯疏離、孤寂和絕望。畫面上強烈對比的色彩和線條，迸發出了震撼人的情緒張力以及緊張氣氛。

目前在舊金山美術館展出的孟克特展，審視著這位充滿爭議性的畫家的一生。共44件展品中，並沒有包括最具代表性的《吶喊》，各個時期的自畫像則佔了17件。孟克的自畫像就是自我的告白。他用不同的繪畫技巧和風格，在畫面上表述出了他自己在不同時期的心理和情緒上的種種變化。

孟克的畫面空間總是淺薄緊密，如同舞台劇的人物布局，讓人物、動作、空氣、記憶和時間在剎那之間凝固，流露著某種特定的情緒內涵和狀態。他的色彩充滿了象徵性，對後輩畫家們也多所啟發。孟克說：I was born dying. 這是多麼地沈重、傷痛而且絕望的告白。這個掙扎的靈魂也只有在繪畫中獲得心靈上某種救贖吧。