Seeing with the Mind's Eyes

「我們如何觀看，以及我們為什麼如此觀看」是新達達主義藝術家傑斯巴‧瓊斯(Jasper Johns)一生探索藝術的核心意念。「觀看與知道、觀看與陳述、觀看與相信之間的關係，是我的作品所關注的。」瓊斯說「先入之見是一種"知道"，它可能被質疑，也可能在觀看中被確認。」

以美國國旗為題材，卻讓這個圖像超脫其既有的象徵意義，轉變為純粹的繪畫圖象而廣為世人所知的美國藝術家傑斯巴‧瓊斯，今年已經82歲高齡，目前在舊金山MOMA的回顧展覽，是最近35年來在舊金山博物的首次大型展覽，共展出90餘件作品，涵蓋了繪畫、雕塑、素描與版畫，展期至2月3日止。1950年代瓊斯在紐約與Robert Rauschenberg,作曲家John Cage以及舞蹈家/編舞家Merce Cunningham結為知交，並崛起藝壇。與當時風雲顯赫的抽象表現主義訴諸"內在"精神性的藝術表現截然不同，瓊斯的創作回探二十世紀初"達達"顛覆藝術傳統的理念，取材"外在"生活中的物件或符號來作表達；然而看似平凡無奇的圖象，在瓊斯作品中卻絕非平淡無味。

瓊斯認為一般人對週遭事物常常"看"卻沒有"看到"，沒有"審視"。因此他重新建構那些我們所熟悉的"平常的"物象，如：數字、美國國旗、地圖、標靶等等與我們(觀者)之間的關係與相對位置，藉此提出了嶄新的觀看視野，讓觀者重新去認知"熟悉的"或"平常的"物象。在他的作品裡，這些物像只是一種平庸的符號象徵，不具有任何指涉意涵或功能目的，圖象與背景已然合而為一。而同一主題的系列變化，更讓圖象與其意涵之間的自然連結瓦解，而流露出一種神秘而令人敬畏的境界，一種純然的藝術形式。於此瓊斯質疑著藝術傳統中的所謂"再現的"機制(representational system)。

瓊斯在六十年的創作中不斷地挑戰著世俗的思維與眼光，突破著藝術的意義與框限。誠然觀賞瓊斯的作品必須拋棄既有的觀念與想法，僅用心靈之眼觀看。或者應該說，觀賞現代與當代藝術都必須如此的，而傑斯巴‧瓊斯正是其中令人景仰的一位大師。

氣概成章—胡宏述畫展

週六「氣概成章—胡宏述畫展」在南灣的硅谷亞洲藝術中心開幕，展出作品共53幅，時間跨越了約40年。當天下午許多媒體與藝術愛好者們群聚在藝術中心，胡教授(1935-)也特別從愛荷華州來到舊金山灣區與大家交流，頗為難得。胡教授畢業於台灣成功大學建築系，而後進入美國Crankbrook藝術學院設計系，1968年擔任愛荷華州大學設計系主任，直到2003年退休。一生投入藝術教育工作，啟發了無數學生，又身兼設計師、畫家、雕塑家、建築師、哲學家、工藝師，他的作品橫跨建築、裝置藝術、公共藝術、家具、一般產品、玩具及包裝設計。實在是全方位的創作者。

雖然非美術系科班出身，胡教授從小愛畫畫，繪畫創作四十餘年來便也因為沒有師承的壓力或影響，而自創一格；即以油畫顏料在畫布上表現出傳統水墨畫的黑白山水意境，而且他的技法奇巧細緻，或濃淡揮灑自如、或雲絲張拔、或水氣、霧氣、雪交會在蒼茫黑白天地之間，讓人神往讓人感佩，因為這些是以西方的媒材作轉換表現出來的呀。胡教授的確是位勇於挑戰、嘗試與再創造的藝術家學者，亞洲藝術中心館長舒建華說胡教授的作品：「氣概成章」，倒是最佳而簡明的表述。

抽象物語

伊莉莎白‧帕克賀斯特‧威廉斯(Elizabeth Parkhurst Williams)製作於1884-1890年的瘋狂拼布(Crazy Quilt)作品，見證著女性對資源再利用與再創造的卓越本能。這件作品罕見的以天空藍色布面為背景，畫面中心刺繡出了三隻貓頭鷹，周圍環繞著以貼布技法拼接縫繡各種零碎布塊構成的許多四方形，穩定的四方形內有著不規則而且各顯奇趣的紊亂圖案，如同萬花筒般璀璨卻更隨興自在，將樸實平凡的碎布塊轉化為了豐富而多彩多樣的圖象。作品的邊緣綴飾著一圈裝飾性緞帶花卉，將作品似乎無邊際的想像力，再拉回到世俗人間。傳統上貓頭鷹象徵著智慧，在此更如同隱喻著女性的聰慧和巧藝；因為女性拼布作者化世俗萬象為純粹抽象的本能，乃早於二十世紀現代藝術中的抽象藝術。

製作於1897年的〈翻滾方塊拼布〉(Silk Tumbling Block Quilt)，更是一件視覺上優美的詩篇，以規律的立體方塊圖案構成的畫面，在各種瑰麗色彩與織紋圖案的布塊拼組建構中，創造出了令人驚嘆的畫面層次、空間變化與動勢力能和量感。它比二十世紀歐普藝術的虛假3D視覺幻象的圖案，更溫馨感人而且引動人心。

在1900-1925年間以毛料布塊製作的瘋狂拼布(Wool Strip Crazy Quilt)，也是一篇視覺的饗宴；運用純粹、濃郁而且厚實的單色毛料布塊，營造出了各種舞動交會的意象、夜晚的魅影與撩人的姿態。這件作品與〈翻滾方塊拼布〉正好可以對應著「有機抽象」與「幾何抽象」兩種藝術形式，而饒富趣味。(Photo courtesy of San Jose Museum of Quilts and Textiles, Photos by Sibila Savage)

聖荷西拼布與織品博物館 -- 三十五週年珍藏展

「聖荷西拼布與織品博物館」(San Jose Museum of Quilts & Textiles)是全美國第一個以拼布與織品為主題的博物館，一九七七年由聖塔克拉拉拼布協會(Santa Clara Valley Quilt Association)在羅斯‧阿托斯(Los Altos)市創立。回顧與探視一九七○年代，正是美國女性主義與婦女運動興起之際，風起雲湧的熱潮激發了女性藝術家與婦女團體的積極作為，要為女性手藝之美喝采與歡呼、收藏保存與整理研究。「聖荷西拼布與織品博物館」便也如此的承擔起重責大任，並且不負眾望地在艱辛的環境下延續著她的使命至今三十五年。博物館幾經波折終於在2005年有了自己的家，即今日所在地”南一街520號”。三十五週年慶的大展即從館藏品中挑選了七十五件精品，展現女性精湛的手藝、創思、美學旨趣、拼布與織品媒材的特色與形式，以及工藝與藝術融匯交織出的美妙詩篇。

Bessie Hess Huber製作於1900年的拼布作品"Log Cabin"，運用美國典型傳統拼布構圖「木屋圖案」，在層層疊置不同長短的細長布塊中，在色彩的微妙流變與轉折中，展現出了層次空間的深度、詩意的氛圍與抽象藝術探索形而上心靈層面的旨趣。作品周圍以四層方形框圍繞，似乎隱喻著天地四方，而天地之間的世界雖然有所本與所歸，但是穩定之中仍然意求萬變。這件作品的創意在此也就自然洋溢。

聖荷西拼布與織品博物館至今仍然常常被問到拼布為什麼重要？拼布為什麼特別？拼布是藝術嗎？博物館館長克莉絲汀‧傑佛斯(Christine Jeffers)說到，拼布的重要性在於素材與家庭生活息息相關，是作者的創造力、想像力、以及對媒材重新運作所開創出的一則則故事。拼布是愛、感恩、愉悅與慰藉的心力匯萃。它的特別在於長時間的投入、運用生活中的媒材以及獨特的技法。拼布當然是藝術，因為作者以愛出發，並且極具創造力地不斷在突破它的歷史定義與拓展它的既定形式。(Photo courtesy of San Jose Museum of Quilts & Textiles)

公共藝術

以天地為畫布的公共藝術，旨在讓藝術走入人間，走入大街小巷，融入人們的生活空間，甚至與人們的日常活動產生微妙互動。其形式從古代制式的偉人雕像、紀念碑等，發展到了近代百花齊放的層面，囊括了各種媒材與造型，讓藝術家恣意地揮灑與創造情境，以誘發過往人們與之邂逅剎那間迸溢的感動，進而與之對話。今日世界各國大小城市裡各式各樣的公共藝術，莫不彰顯著藝術家匠心獨運的姿態與平民化的語彙，城市也因為公共藝術而添增無比的魅力，招引著遠方人們的朝拜。

近代公共藝術的推廣得益於政府部門的"Percent-for-Art"方案，亦即規定在任何建築案中保留1%的經費以作為公共藝術設置的經費；如此地讓藝術與建設結合，避免城市的水泥叢林僵化了現代人的生活空間，並且讓藝術融入公共空間。"Percent-for-Art"方案最早於1959年在美國費城通過立法，而後許多城市群起效尤。台灣在1980年代中期開始推動「百分比藝術計畫」，聖荷西市也在1984年開始由「再發展局」(Redevelopment Agency)以"Percent-for-Art"推行公共藝術。舊金山更早在1932便設置了藝術委員會，在1969年開始設置專款推動公共藝術，為這個舉世聞名的優雅而浪漫的都市留下了許多經典而美好的形象。

一個能夠感動人、也讓人們留下深刻印象的城市，必然是一個具有藝術美感的城市。如果在各地遊走之際能夠不期然地遭遇"美"，都會讓人心撼動而留下記印，美的體驗便自然地融入了記憶，成就平凡百姓美好人生的一部分。一個具有美感的城市，它的建築物與公共空間的規畫與公共藝術的設置，都必然流露著"美"的訊息，代表著該城市的品味與修養、文化與歷史況味。

Colonia Techne - 與環境的互動

Zero 1 Biennial的展品除了在許多展覽空間內的各項多媒體裝置作品外，還涵蓋了一些公共藝術作品，位於聖荷西南一街上的"Colonia Techne"，即獲得國家文藝基金會支持的作品。由BIOS Design Collective集體構思的創作，乃將生物圖像與建築體結合，形成了一個可以讓人們走過的通道，鏤空的木造結構，在陽光與空氣的映照流串中，與週遭環境巧妙地呼應著。該木造結構體上還布滿了由電腦控制的網狀般感應器，當人們走過便會觸動之而產生光與聲音。於是這件作品從對環境的掌控轉變為對環境狀況的回應。

然而這種置於戶外的電子互動作品顯然維護不容易，我去造訪時，並沒有聲光效果出現(或許只有在特定時段)，但是雕塑般的造型倒也蠻值得欣賞的。

互動式多媒體裝置藝術

在Zero 1 Biennial的主展覽場地"Garage"中，德國互動式多媒體藝術家Karina Smigla-Bobinski的作品"ADA"(2010)是一件很有意趣的動態雕塑裝置。作品名稱"ADA"是對19世紀英國女性數學家Ada Lovelace的致敬；Ada可以說是世界上第一位為機器運作提出演算法的電腦程式設計師。

這件作品是一個透明如膜的巨大球體，內部充滿了氦氣讓它漂浮在空中，外部插著無數的碳筆突出如同刺蝟，當觀眾參與操弄，它就會自動的四處飄動並且在週圍的地面、牆面與天花板上留下如同素描般的筆觸，抽象的點與線條構圖在自動的表演行動中不斷地被建構出來，然而它呈現的密度、表現性與造型卻是無法被預測與估算的。

"ADA"充滿了無限的生命力能與創造力，看似在觀眾的引動中出現，實際上卻是無法被操控，是純然地自動性獨立的在演出與創作著。這件作品如同"後工業"時代的創造物，具有生物科技的精神與有機的能量；它在與週遭人、事、物的互動中，不斷地滋生情境，在串聯時間與空間中，不斷地創作著，沒有所謂的完成。而人的一生或許也如是，未來無法預測，我們也必須不斷地在互動中成長與累積。